EL BARROCO

INTRODUCCIÓN

         La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte Johann Sebastian Bach, en 1750. Es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea, antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo.

El Barroco es uno de los periodos más revolucionarios de la historia de la música. Nace la orquesta y con ella, las grandes formas instrumentales y vocales. Se establece el uso de la tonalidad y la armonía. Surgen los primeros interpretes virtuosos y los primeros grandes compositores.

La música está al servicio de las grandes monarquías europeas, la aristocracia y la iglesia, que la utilizarán como una manifestación más de su poder. Producto de estos fines es, como en otras artes de la época, una estética expresiva y teatralizante: profusión en el uso de la ornamentación, dramatismo, uso de recursos para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, fuertes contrastes  sonoros, etc.

En los géneros vocales la música queda supeditada a la poesía, pues su propósito es el refuerzo en la transmisión del sentido y los sentimientos ligados a la palabra; el espectáculo de mayor éxito, y que mejor resume el gusto y la estética de la época, será la ópera, fusión de poesía, música y teatro.

CARACTERÍSTICAS GENERALES

Las principales características comunes de la música de la época barroca son:

1.- La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Aunque se sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, estas no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse monodia acompañada.

2.- La presencia obligatoria del bajo continuo:  El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos melódicos graves (violonchelo, viola da gamba, fagot...) más un instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave, órgano positivo, laúd, arpa...).

3.- El bajo cifrado: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores.

4.- El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, armados desde el bajo continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde).

5.- El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o ternario), muy uniforme, incluso mecánico.

6.- El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal. En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.

7.- La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las segundas.

8.- El gusto por los fuertes contrastes sonoros (de tempo, matices, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y timbres habitual en el Renacimiento.

9.- El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en la ya escritas, en forma de ornamentación.

LOS GÉNEROS Y FORMAS

1.- LA MÚSICA VOCAL

Los géneros vocales eran divididos ya en la época entre teatrales y religiosos: entre los primeros se cuenta la gran creación del Barroco musical, la ópera, mientras a los religiosos se adscriben formas nuevas como el oratorio y la cantata, junto a antiguas como el motete y la misa.

LA ÓPERA

Las corrientes humanistas, en particular la Camerata Florentina, buscaban ya a finales del XVI una puesta al día del antiguo teatro griego. Los sucesivos experimentos en los que la música vocal se combinaba con danzas y escenas teatrales habladas forjaron finalmente un espectáculo musicalmente continuado, en que estas escenas habladas eran sustituidas por recitativos.

La evolución posterior y su fusión con otras formas músico-teatrales acabó convirtiendo a la ópera barroca en una representación teatral íntegramente musicada en la que se suceden números de cuatro tipos:

1.- Recitativos, en los que los cantantes hacen avanzar los diálogos de la obra dramática en un canto silábico apenas acompañado por el bajo continuo.

2.- Arias, verdadero núcleo musical de la ópera. Son números solísticos líricos y muy elaborados, a menudo virtuosos, al servicio del lucimiento del cantante.

3.- Números instrumentales ejecutados por la orquesta desde el foso, como la obertura inicial, interludios y, sobre todo, las danzas bailadas en escena.

4.- Coros, generalmente a cuatro voces, a imitación de los coros del teatro griego.

LASCIA CH'IO PIANGA

En la llamada ópera seria el italiano siguió siendo el idioma de los libretos, y la temática era casi siempre mitológica.

Paralelamente aparecieron géneros músico-teatrales más populares, en lengua vernácula, con personajes contemporáneos (a menudo de clase baja), tramas a veces humorísticas y pasajes hablados en lugar de recitativos. Estos espectáculos se introducían bien a modo de intermedio entre los actos de la ópera seria o bien como obras independientes; recibieron diversos nombres en cada país: singspiel (Alemania), zarzuela (España), opera buffa e intermezzi (Italia), opéra-comique (Francia), etc.

GÉNEROS RELIGIOSOS

1.- La cantata. La asunción de la monodia, el recitativo y el estilo concertante por la música religiosa dio lugar a una nueva forma musical, la cantata, obra de uso litúrgico que intercalaba sinfonías instrumentales, recitativos, arias y coros.

2.- El oratorio. Musicalmente casi idéntico a la ópera (aunque con más énfasis en los coros), solía tener una temática religiosa y no era escenificado. A diferencia de la ópera, casi siempre en italiano, los oratorios solían escribirse en lengua vernácula. El más famoso ejemplo es El 
Mesías, de Händel.

.                      

        Un caso particular de oratorio, representado en las iglesias protestantes de la época, era la Pasión, obra de larga duración que relataba, en recitativo, el texto evangélico de la Pasión de Jesucristo, con arias y corales insertados.

LA MÚSICA INSTRUMENTAL

El Barroco vio aparecer la orquesta en el sentido moderno del término. Nacida durante el siglo XVI en ambientes populares, la familia del violín (violines, violas, violonchelos) alcanzó su grado máximo de perfección constructiva en el XVII, hasta el punto de que entonces quedaron fijados los modelos que, en lo fundamental, han sido reproducidos durante los trescientos años siguientes, gracias a la labor de familias de artesanos como los Stradivari.

 Los instrumentos de madera fueron radicalmente transformados por la familia Hotteterre en la corte francesa de Versalles, apareciendo entonces el oboe, el fagot y la flauta travesera barroca.

La música instrumental tuvo un auge sin precedentes en los siglos XVII y XVIII. Hubo un gran florecimiento en formas musicales, técnicas, intérpretes y compositores, que poseían ya un profundo conocimiento de la técnica de los instrumentos, al servicio de una fuerte expresión emocional.

Tocata, Preludio, Fantasía y Fuga.

Los preludios, fantasías o tocatas son piezas para un instrumento solista (generalmente de teclado) de carácter improvisatorio; como tales, suelen ser rapsódicas, cargadas de ornamentación, de forma y compás poco definidos y de textura variable. Esas piezas improvisatorias solían ir seguidas de una fuga (a 2, 3, 4 ó 5 voces) en ella una breve melodía llamada sujeto es presentada inicialmente en cada una de las voces y desarrollada después en contrapunto imitativo.

TOCCATA Y FUGA EN RE MENOR. J.S. BACH

La sonata

La palabra sonata designa en el Barroco una composición para ser "sonada", esto es, para uno o dos instrumentos (sonata a solo o sonata en trío, respectivamente) más el habitual bajo continuo. La combinación más habitual incluía violín, flauta travesera u oboe para las voces superiores, más violoncello y un instrumento de acordes (órgano, clave, arpa, laúd...) para el continuo: su textura muestra la polarización de voces típica del Barroco. La sonata solía dividirse en tres o cuatro movimientos de carácter y tempo contrastantes.

El concerto

Fue sólo a finales del XVII cuando se consolidó el concepto de orquesta, como conjunto en el que varios instrumentos de cuerda interpretan al unísono una misma línea melódica, de tal forma que una música escrita a tres o cuatro voces (esto es, en partitura de tres o cuatro pentagramas) podía ser interpretada por un conjunto de hasta quince o veinte músicos. Nació así la posibilidad de alternar pasajes para la masa orquestal completa (tutti) con otros para los solistas del conjunto (concertino, habitualmente formado por dos violines y un violoncello). A las obras así escritas se les llamó concerti grossi.

 CONCIERTO DE BRANDENBURGO Nº 2. J. S. BACH

Consistentes inicialmente en meras sonatas en trío en las que cada pasaje era repetido por el tutti tras ser tocado por el concertino, las partes solísticas ganaron en sofisticación y dificultad técnica hasta diferenciarse temática y musicalmente de las partes orquestales: nació así el concierto solista en tres movimientos (típicamente Allegro-Adagio-Presto).

La suite

Una suite es una sucesión de movimientos o piezas de danza que se interpretan seguidas. Su secuencia mínima clásica incluía:

Allemande: danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado.

Courante: movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior, de compás ternario.

Zarabanda: danza lenta de compás ternario que acentúa característicamente su segundo pulso, de origen español.

Giga: danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen irlandés.

A las que se podía añadir una obertura inicial más otras danzas tras la giga, elegidas libremente, como por ejemplo:

Minué: de compás ternario parecido al del vals. La suite suele contener dos minués emparejados.

Rondó: pequeña pieza basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones (B, C, D, etc.).

LA DANZA EN EL BARROCO

El ballet cortesano o ballet de la corte (ballet de cour), es un género de danza cuyo nacimiento se sitúa a finales del siglo XVI en la corte de Francia y que comprende poesía, música vocal e instrumental, coreografía y escenografía. Era bailado tanto por bailarines profesionales como por miembros de la corte y de la familia real, en este tipo de representaciones alternaban números musicales con danzas.

En el siglo XVII este género evolucionó hacia la ópera-ballet, pieza de carácter narrativo parecida a la ópera pero en la que se reducen los números cantados en favor de la danza. el principal compositor de este género fue Jean Baptiste Lully. En 1661 Luis XIV creó la Academia Real de Danza, que irá sustituyendo a los cortesanos por músicos y bailarines profesionales y sentará las bases del ballet clásico.

PRINCIPALES COMPOSITORES

Corelli

Corelli es considerado como uno de los más grandes precursores de la sonata preclásica y el representante por excelencia del concerto grosso. La música de Corelli ejerció una gran influencia en los compositores alemanes, especialmente en Bach y Händel.

CONCERTO GROSSO Nº8. (Adagio. 4'9")

 

Vivaldi

Fue un compositor y músico del Barroco tardío. Se trata de una de las figuras más relevantes de la historia de la música. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto solista, siendo la serie de conciertos de Las Cuatro Estaciones su obra más reconocida.

 

 

J. S. Bach

Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca; destaca en ella su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, además de la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado.

Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal: Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, varios ciclos de Cantatas, las Suites para violonchelo solo.

Monteverdi

Fue el primer gran compositor del Barroco; con la ópera Orfeo inauguró el nuevo género operístico en Italia y Europa.

Händel

Fue el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza. Considerado un gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio (El Mesías).

SARABANDE